VIII- Vanguardias artísticas: Fauvismo, Cubismo, Surrealismo, Dadaísmo y Expresionismo

Entre 1900 y 1914 es la época de la expansión colonial y rivalidad entre las potencias colonizadoras que culminarán en la Primera Guerra Mundial (1914) y cuyos efectos dejarán su impronta en las vanguardias artísticas coetáneas.

En el inicio del siglo XX las vanguardias que se desarrollan van a revolucionar el mundo del arte destruyendo toda unidad formal; el arte experimenta una gran transformación hasta perder la representación de la realidad. Pretenden crear un arte adecuado a la nueva sociedad. Aparecen infinidad de tendencias artísticas con maneras de ver y hacer arte completamente diferente.

Las vanguardias tienen en común su carácter innovador y el estar en continuo proceso de renovación. Las vanguardias son movimientos artísticos revolucionarios que rompen con la tradición y convulsionan el mundo del arte causando estupor cuando no rechazo. El autor toma conciencia de su libertad creativa y expresiva, inventando nuevos lenguajes artísticos. El artista en definitiva se libera de todas las ataduras y modas artísticas del momento y comienza a experimentar. 

Algunas vanguardias, como el Cubismo, encuentran bases racionales. Otras, como el Surrealismo, el Dadaísmo o el Expresionismo, surgen de las emociones. Aunque muchas tendencias coinciden en el tiempo, cada vanguardia puede ser encuadrada en unos límites cronológicos precisos.

Fauvismo

Los pintores fauves se agrupan de manera pasajera entre 1905-1907 para seguir después caminos diferentes, marcando pues una de las características más acusadas de las vanguardias: su poca duración. Todos ellos reciben una clara influencia de Gauguin y Van Gogh, con una pintura basada en el triunfo del color y la intuición. El color adquiere un valor simbólico. Esta vanguardia supone una reacción contra el Impresionimo, y en defensa del color y del objeto. Se distinguen por su violencia cromática. 

El color es el protagonista principal del cuadro y se utiliza de una manera apasionada. Aplican la pasta directamente del tubo sin alterarla con mezclas en el pincel o la paleta. El dibujo se realiza con una línea gruesa de color, llegando a cambiar el colorido de la misma en una misma figura. El color se independiza del objeto, se puede pintar un caballo verde o un mar violeta. Para respetar el objeto, que se perdería entre tanto color, se recupera la línea con trazos gruesos y claros. La luz suele desaparecer y con ella la profundidad y las composiciones tienden al plano único. Los colores destacan por su estridencia. No hay armonía cromática. Para los fauvistas, la pintura debe ser libre e instintiva, la naturaleza es un medio a través de la cual el artista revela sus sugestiones mediante el color no es necesario el claro-oscuro ni el modelado. 

Su pintura es plana pero con carga expresiva. Destacan autores como Matisse, Derain, Vlaminck o Dufy.

Cubismo

En 1906 Picasso abandona los temas sentimentalismo superficila de sus épocas azul y rosa y sigue su propio camino, ajeno a las modas del momento. Todas sus experiencias artísticas cristalizan en “Las señoritas de Aviñón” (1907) al que no sólo se le considera el antecedente directo del Cubismo, sino también el arranque de las vanguardias. Se trata de una pintura alejada de la tradición occidental, sentando las bases de una pintura completamente nueva. El cuadro se rige por leyes que nada tienen que ver con la perspectiva renacentista. Un nuevo lenguaje que se manifiesta en la desintegración espacial, el tratamiento descoyuntado de las figuras, la ruptura del modelado tradicional y el uso intelectual del color.

Las señoritas de Avignon (Pablo R. Picasso, 1907)

El cubismo utiliza formas geométricas y llega casi a prescindir del color, en contraste con el fauvismo. Es un movimiento revolucionario, iniciado por el español Picasso, y continuado por Braque y Juan Gris. Picasso es el mayor creador del siglo XX. Sus antecedentes más cercanos hay que buscarlos en la influencia de Cézanne y del Puntillismo.

El cubismo pretende representar la “cuarta dimensión” de los objetos. ¿Qué es la cuarta dimensión? Nosotros conocemos las tres dimensiones (altura, anchura, y longitud). Pero las vemos desde una determinada perspectiva, por ejemplo, no vemos la parte de atrás. Si queremos conocer bien un objeto tenemos que dar vueltas alrededor de él, y luego abrirlo para ver cómo es por dentro. La cuarta dimensión vendría a ser la suma de todas las perspectivas. Los cubistas tratarán de representar los objetos uniendo los diferentes puntos de vista. En un cuadro cubista una persona puede aparecer de frente y de perfil. A veces se recurre a la transparencia, otras se despedaza el objeto, que se convierte en un rompecabezas, y se colocan sus partes desordenadas por el cuadro. Se trata de un arte cerebral.

Características generales del cubismo:

1. Rechazo del modelado clásico y de la perspectiva.
2. Disección de objetos, con el fin de recomponerlos geométricamente en sus elementos esenciales.
3. Multiplican los puntos de vista, apareciendo con ella la cuarta dimensión.
4. El objeto, se representa de un modo total, lo que determina una visión múltiple, y para conseguirlo yuxtapone planos fragmentarios.
5. Primacía total de la línea y de la forma, puesto que se trata de crear volúmenes, en detrimento de la luz y el color. El cubismo es construcción.

Por todas estas características el cubismo es un estilo muy racionalista cuya fase inicial y la más ortodoxa se desarrolla entre 1909-1911 como resultado de las investigaciones de Picasso y Braque. Es el llamado Cubismo Analítico: las formas y las figuras están tan fragmentadas y descompuestas que se hacen irreconocibles. No existe distinción entre el fondo y forma, se produce la desaparición de la perspectiva tridimensional; los objetos se descomponen estructuralmente, se fragmenta el tema en todos los puntos de vista posibles, utilizando una gama cromática muy limitada. El color pierde importancia y se limita al mínimo. Sin ser obras abstractas la visión del cuadro nos resulta muy difícil, de ahí que a partir del cubismo analítico se llega a la abstracción geométrica.

A partir de 1911 hasta 1914 aparece el Cubismo Sintético: los cuadros empiezan a perder el aspecto fragmentado y la realidad se reconstruye a base de planos de color. Los objetos se pueden ver desde diferentes puntos de vista, desde dentro y desde fuera.

Picasso es un artista prototipo de las vanguardias del siglo XX. Posee una enorme vitalidad y nunca perdió la capacidad de sorprender y de innovar. Su enorme capacidad creativa le lleva a explorar continuamente multitud de estilos en donde el cubismo es uno más de los que explora a lo largo de su carrera artística.

Surrealismo

Es una vanguardia basada en las emociones, en la irracionalidad. Presenta una clara influencia de las doctrinas de Freud y sus teorías del psicoanálisis.

En 1924 Breton publica el “Primer manifiesto del Surrealismo”: automatismo a la hora de escribir y pintar para descubrir el subconsciente; es una vanguardia que rechaza la razón a la hora de realizar la obra artística. El surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños, del subconsciente que escapan a la razón humana. Para lograrlo utilizan recursos como la animación de lo inanimado donde los objetos cobran vida. Se pintan partes aisladas del cuerpo, máquinas fantásticas y un espacio que nos recuerdan a los videojuegos actuales.

El surrealismo no posee unidad formal. Puede ser hiperrealista, recibir influencias cubistas e incluso rozar la abstracción. Destacan figuras como Maz Ernst, Magritte, Joan Miró y Salvador Dalí.

La persistencia del tiempo (Salvador Dalí, 1931)

Dadaísmo

Esta vanguardia surge en Suiza en 1916, como respuesta a la Primera Guerra Mundial, y pretende destruir el arte pasado y presente. El dadaísmo no se considera a sí mismo como vanguardia e incluso renuncia a considerar obras de arte a sus creaciones, a las que denomina simplemente objetos.

El estallido de la Gran Guerra había demostrado que las sociedades industrializadas eran capaces de provocar una masacre. El arte forma parte de esa sociedad y por lo tanto debe ser aniquilado. El Dadaísmo denuncia el mercado del arte que vende en función del nombre del autor y no por el valor de la obra en sí misma. Hacen cuadros con basuras, orinales etc. Curiosamente sus obras hoy en día se cotizan en el mercado del arte. Dadá fue un soplo de aire fresco y supuso una seria reflexión sobre la naturaleza y el valor del objeto de arte. Uno de sus autores más destacados fue Duchamp.

Expresionismo

Antes de que el Expresionismo se conformase como una vanguardia, hubo artistas que son considerados precursores de este movimiento. El más conocido de ellos es Edvard Munch.

Este pintor noruego cree en la capacidad de transmitir emociones del arte y lo plasma a través de una línea sinuosa y el ritmo de su pincelada. Sus figuras son etéreas, sus personajes solitarios, utilizando el color de forma arbitraria. La fuerza del color y su línea permiten al artista reflejar su angustia. Su arte es fundamental para entender las corrientes expresionistas del siglo XX. Es el auténtico precursor del expresionismo alemán, de hecho, su obra “El Grito” realizada en 1893, se convierte en la portada del Manifiesto del grupo “Die Brucke” (El Puente). Este grupo, formado en 1905 en Dresde, estructura el Expresionismo y tendrá como principal representante a Kirchner.

Los pintores expresionistas prefieren los tonos oscuros, sobre todo el negro para plasmar mejor las emociones y angustias del ser humano. Se trata de un arte interior, en el que se reflejan los estados de ánimo del pintor. Los expresionistas tratan de expresar el dolor y los sentimientos a través del color y la deformación de las figuras La técnica similar a los fauvistas, sobre todo en la utilización de las manchas de color. Las formas son angulosas y el colorido muy intenso. Su temática es morbosa y extraña, con uso de gamas de color chillonas que irritan al espectador, y a través de una pincelada aguda y violenta. 

En 1911 se forma en Munich un nuevo grupo “El Jinete Azul” entre los que destaca Kandisky y Frank Mark. Unen la potencia visual y cromática del expresionismo con los postulados cubistas, para evolucionar posteriormente hacia la abstracción. Niegan el valor naturalista al arte. Las formas se deben subordinar a la armonía cromática o a los ritmos lineales. Con Kandisky los colores se independizan hasta tal punto que le llevará a la abstracción.

Para este pintor de origen ruso la pintura debe ser una composición armónica entre forma y color; en este sentido los colores son también formas. Este movimiento se vio truncado con el comienzo de la Primera Guerra Mundial.

Fuera de Alemania destaca en Viena la figura de Oskar Kokoschka, en Francia Rouault y Soutine y en España Solana.